Iole de Freitas se dedicou à dança contemporânea por quase vinte anos, formação esta que permeia sua obra tanto na forma quanto no conteúdo. A pesquisa sobre o corpo em seus trabalhos das décadas de 1970 e 1980 se dava através de autorretratos performáticos e filmes experimentais que exploravam as possibilidades de criação de um repertório imagético alinhado com a efervescência da cena artística europeia naquele momento em que os artistas privilegiavam o uso de materiais e técnicas não convencionais. Tomando a si mesma como campo de investigação, mergulhava na observação dos gestos, ritmos e fragmentos de ações. Este método de trabalho foi se expandindo ao longo de sua trajetória, abarcando as relações com o espaço imediato e com a arquitetura, direcionando sua prática para uma linguagem escultórica. O corpo, a percepção sensorial e o movimento continuam presentes como ponto de partida até hoje. Os materiais que a artista escolhe, industriais, são aqueles dotados de flexibilidade suficiente para que possam traçar no espaço curvas e serpenteios semelhantes aos que um corpo desenvolve ao dançar.

“Rubro”, sua individual na Galeria Raquel Arnaud, apresenta conjuntos de peças inéditas dotadas de singularidade, mas que estabelecem entre si diálogos harmônicos na forma e na cor – ao mesmo tempo em que cada elemento pode ser apreciado como obra autônoma, é possível fazer uma leitura de toda a constelação como uma grande instalação. Há uma concordância formal que agrega todas as peças, expressa na sinuosidade das linhas, na sutil variação de texturas e na economia de cores, já característica de sua produção. Se em site specifics anteriores a artista costumava costurar interior e exterior rompendo os limites de paredes e janelas numa escala agigantada, nesta exposição o tom é mais intimista. Isto porque “Rubro” foi toda concebida durante a pandemia, com a consequente imposição do confinamento não apenas físico, como mental. Foi preciso adaptar a criação, pensar em escalas reduzidas e voltar a atenção para as coisas do cotidiano, ao mesmo tempo que tudo o que sabíamos do mundo de fora era aterrador. Iole declarou que vê a criação artística nesta situação atípica como forma de resistência, como necessidade de estimular a pulsão de vida.

Todas as esculturas são feitas de aço inox. Muitas receberam pintura em branco, bege ou no tom de vermelho intenso que dá nome à mostra, enquanto outras mantêm a cor do metal. São de tamanho relativamente pequeno em comparação com instalações anteriores e feitas a partir de estudos com poucos cortes em papel posteriormente reproduzidos em chapas metálicas, resultando em variadas formas dobradas e curvadas que exploram côncavos e convexos. Na primeira sala estão os “Rubros”, “Pálidos” e “Lívidos”. Os dois primeiros grupos estão dispostos na parede, enquanto os “Lívidos” ficam no chão e parecem estar a ponto de alçar voo ou talvez tenham acabado de pousar graciosamente. “Derretida”, a maior peça em exibição, planta-se firmemente no canto que conecta as duas salas expositivas em posição panóptica. É ela que marca a transição do espaço das peças coloridas para o das brancas, que são de certa maneira mais silenciosas, conduzindo o olhar do espectador para dentro delas – enquanto os conjuntos do outro espaço pedem uma visão do ambiente como um todo. “Adaga de papel” é a única peça instalada sozinha em uma das paredes. Seu título joga com o paradoxo entre a potencial violência da arma branca e a fragilidade da palavra papel – a forma sinuosa, mas com pontas afiadas, é pintada de branco, camuflando o aço de que é feita. Finalmente, o último conjunto, “Sem título”, é composto por três esculturas de aspecto mais volumétrico e fechado que se diferenciam das demais por seus desenhos voltados para o centro insinuado de si mesmas, como se fossem segmentos de espirais.

Seguindo-se o trajeto sugerido para percorrer a exposição, no primeiro momento nos deparamos com um ambiente dinâmico de formas que se abrem para o espaço. O olhar é atraído para os “Pálidos” e “Rubros” em ambas as paredes. Os “Lívidos” no chão, de movimento igualmente expansivo, reforçam a agitação e dialogam com as esculturas que os ladeiam. Ainda que se aviste “Derretida” desde o início, é somente quando chegamos ao ponto em que ela está que notamos que dali é possível ver todas as obras e perceber a diferença de ritmo entre os dois espaços – o primeiro é colorido e frenético, enquanto o que se tem depois de “Derretida” é uma desaceleração cromática e formal. “Adaga de papel” ainda projeta sombras pontiagudas na parede atrás de si, mas, branca e isolada, convida a uma introspecção que se consolida nas três últimas obras sem título ao fundo que, curvadas sobre seus próprios centros, parecem fechar-se em si mesmas, quase em posição fetal.